Opera

Från Wikipedia, den fria encyklopedin
Operastjärnan Maria Callas

Som opera (italienska opera i musica "musikaliskt verk") hänvisar till en 1600 skapas (med början av barocken) sedan 1639 musikalisk genre av teater . Vidare kallas också operahuset (platsen för föreställningen eller den producerande institutionen) eller det utförande företaget som en opera .

En opera består av att sätta en dramatisk dikt till musik framförd av en sångensemble , en medföljande orkester och ibland en kör- och balettensemble . Förutom att sjunga utför artisterna drama och dans på en teaterscene som är designad med hjälp av målning , arkitektur , rekvisita , belysning och scenteknik . Skådespelarnas roller framgår av masken och kostymerna . Dirigenten för musikalen, regissören för ledningen och scenografen för utrustningen fungerar som konstnärliga ledare . I bakgrunden stöder hon dramaturgin .

Avgränsningar

Opera sammanfattas under termen musikteater med dans, musikal och operett . Gränserna för relaterade konstverk är flytande och definieras alltid i varje epok, oftast även med avseende på vissa nationella preferenser. På detta sätt förblir operan som genre levande och får ständigt nya idéer från de mest varierade områdena i teatern.

Opera och drama

Drama i strikt mening att människor bara talar på scenen är sällsynta i teaterhistorien . Blandade former av musik, recitation och dans var regeln, även om författare och teaterfolk någon gång försökte rädda eller reformera dramat. Sedan 1700-talet har blandade former mellan drama och opera uppstått från de olika varianterna av opéra-comique , såsom balladopera , sångspel eller fars med sång. Mozarts Singspiele tilldelas opera, de av Nestroy anses vara pjäser. På gränsen flytta z. B. också verk av Brecht / Weill , vars trepennyopera är närmare dramat, medan uppkomsten och nedgången av staden Mahagonny är en opera. Musik som är helt underordnad drama kallas dramamusik .

En utbredd form av teater relaterad till drama sedan början av 1800-talet var melodrama , som idag endast finns i populärfilm. Det hade ett stort inflytande på opera vid den tiden med sina äventyrsmaterial. Ställen innehöll den bakgrundsmusik som bakgrundsmusik för handlingen på scenen (mindre av den talade texten). Detta är vad termen melodrama , som fortfarande är känd idag, hänvisar till . Sådan bakgrundsmusik finns till exempel i Mozarts Idomeneo , Ludwig van Beethovens Fidelio , i Webers Der Freischütz (i Wolfsschluchtszene) och i Humperdincks Königskinder .

Opera och balett

I den franska traditionen har dans integrerats i opera sedan barocktiden. Klassisk balett kämpade för att bryta sig loss från denna anslutning på 1800-talet, men de neoklassiska verken från 1900-talet, till exempel av Igor Stravinsky eller Bohuslav Martinů , bekräftar förhållandet mellan opera och balett. Italiensk opera saknade inte heller dans, även om dans inte dominerade i samma utsträckning. Idag tas baletter och divertissements av repertoarverk mestadels bort från noterna, så intrycket av en linjeseparation skapas.

Opera och operett / musikal

Operettens genre och relaterade former som zarzuela , som en vidareutveckling av Singspiel, skiljer sig från operan, som alltmer komponerades från mitten av 1800-talet och framåt, genom de talade dialogerna, men också genom dess dominerande underhållningskrav och det främsta intresset för popularitet eller kommersiell framgång. Denna avgränsning framkom inte förrän i slutet av 1800-talet: när den "komiska operaen" hade ändrats från "låg" till "hög" genre, uppstod operetten som en ny "låg" genre. Detsamma gäller musikalen , den vidare utvecklingen av populär musikteater i USA. Operetter och musikaler är dock inte mindre konstformer än opera.

historia

förhistoria

Antiken

Även i antikens grekiska teater kombinerades scenisk action med musik. Modern opera hänvisade upprepade gånger till denna modell och, eftersom lite har förmedlats från performance-praxis, kunde den tolka den på många olika sätt. En kör som sjöng och dansade spelade en viktig roll, delade in drama i avsnitt eller hade också uppgiften att kommentera handlingen. Romarna odlade komedi snarare än tragedi . Mimus och senare pantomime hade en hög andel musik. På grund av förstörelsen av de romerska teatrarna på 600-talet och förlusten av böcker i slutet av antiken har många källor om det gått förlorade.

Sedan början av 1900-talet har dock många gamla byggnader, särskilt amfiteatrar och teatrar, använts för operaföreställningar. De mest kända är Théâtre Antique i Orange (med avbrott sedan 1869), Arena di Verona (sedan 1913), Odeon av Herodes Atticus i Aten (sedan 1930-talet), Caracalla-baden i Rom (sedan 1937) och Roman stenbrott St. Margarethen (sedan 1996).

medeltiden

Under hög medeltiden , baserad på påskmassan, uppstod en ny tradition av sjungad handling. Den andliga pjäsen ägde rum först i kyrkan, sedan på 1200-talet som en passionspel eller processionslek utanför kyrkan. Populära teman var de bibliska påsk- och julhändelserna, även med komiska mellanrum. Melodierna förmedlas ofta, användningen av musikinstrument är sannolikt, men sällan verifierbar. I den kyrkliga sfären fanns det sekulära bitar som Adam de la Halles melodiska Jeu de Robin et de Marion (1280).

Renässans

Produktionsdesign för Orpheus and Amphion, Düsseldorf 1585

Tiden för karnevalen , som senare blev den traditionella operasäsongen, har gett möjlighet till musik och teater åtgärder sedan 15-talet, som utgick från då största europeiska städer i Italien: inter , dans spel, mask och Triumf parader är en del urbana representationen i den italienska renässansen . Den madrigal var den viktigaste genren vokalmusik och ofta förknippade med danser.

Den kungliga domstolen i Frankrike fick betydelse jämfört med Italien på 1500-talet. Den Ballet Comique de la reine 1581 var dansade och sjöng handling och anses vara en viktig föregångare av operan.

Ett tidigt försök i Tyskland att framföra en dramatisk plot med sjungande huvudpersoner i en scenkonstruktion är framförandet av Orpheus och Amphion på en samtidig scen i anledning av Jülich-bröllopet av Johann Wilhelm von Jülich-Kleve-Berg med Margravine Jakobe von Baden i Düsseldorf 1585. Som möjligt kompositör av musiken som inte har överlämnats heter Andrea Gabrieli . Musiken var så vacker "att den inte var där / vid den tiden / och hörde sådant Musicum concentum & Symphoniam / om möjligt att tro." Handlingen var naturligtvis främst en allegori i betydelsen av en prinsens spegel .

ursprung

Florentinska Camerata

Opera som det är idag skrevs i Florens i slutet av 1500-talet . Den florentinska Camerata , en akademisk diskussionsgrupp där poeter (t.ex. Ottavio Rinuccini ), musiker, filosofer, aristokrater och en beskyddare av konsten - ursprungligen tog denna roll, greve Bardi , senare greve Corsi  - spelade en viktig roll i historien om dess skapande . Dessa humanister försökte återuppliva det antika dramat , som de tror inkluderade sångsolister, kör och orkester. Efter de pastorala draman på 1500-talet designades och musikaliserades librettot med hjälp av tidens musikaliska medel. Vincenzo Galilei tillhörde denna grupp. Han upptäckte psalmer av Mesomedes , som går förlorade idag och skrev en avhandling mot holländsk polyfoni . Detta var ett tydligt bevis på den önskade musikstilen, den då nya solo-rösten med instrumental ackompanjemang.

Att förstå texten i sångmusiken var det viktigaste för den florentinska Camerata. En tydlig, enkel sång linje förklarades ideal, som sparsam basso -Begleitung med få och milda instrument som luta eller cembalo hade underordna. Väl utvecklade melodiska idéer var oönskade för att inte dölja innehållet i orden genom sången. Man talade till och med om en "nobil sprezzatura del canto" ( Giulio Caccini : Le nuove musiche , 1601), en "ädel förakt för sång". Denna typ av sång kallades recitar cantando , reciterande sång. Recitar cantandos enkelhet och begränsning står i kontrast till den dominerande polyfonin med dess komplexa lager av anteckningar och text. Med monodi , som den här nya stilen kallades med hänvisning till antiken, bör ordet komma till sin rätt igen. En teori om effekterna utvecklades , som kunde transporteras genom den sjungna texten. Körar i madrigalform eller som motet gick med i de enskilda sångpartiernas monodi . Orkestern spelade ritorneller och dansar däremellan.

Det första verket i operagenren är La Dafne av Jacopo Peri (premiär 1598) med en text av Ottavio Rinuccini , av vilken endast enskilda fragment har överlevt. Andra viktiga verk från de tidiga dagarna är Peris Euridice (1600) som den äldsta överlevande opera, liksom Euridice (1602) och Il Rapimento di Cefalo av Giulio Caccini . Ämnen för dessa tidiga operaer hämtades från herdepoesi och framför allt från grekisk mytologi . Mirakel, magi och överraskningar, representerade av detaljerade scenmaskiner , blev populära komponenter.

Monteverdi

Claudio Monteverdi

Claudio Monteverdis första opera L'Orfeo (1607) väckte särskild uppmärksamhet . Den hade premiär i Mantua i anledning av födelsedagen till Francesco IV Gonzaga den 24 februari 1607. Jämfört med sina föregångare hörs här för första gången en rikare uppsättning instrument (även om det oftast bara antyds i partituren ), utökad harmoni , ljudpsykologisk och bildstolkning av ord och figurer samt instrument som kännetecknar folket . Trumpeter används till exempel för underjorden och dödsscener, strängar för sovande scener och ett träorgel används för huvudpersonen Orfeo .

Monteverdi: Penelopes aria “Di misera, regina” från Il ritorno d'Ulisse in patria

Monteverdi utökar sånglinjen för recitar cantando till en mer ariliknande stil och ger körerna större vikt. Hans sena verk Il ritorno d'Ulisse in patria (1640) och L'incoronazione di Poppea (1643) är höjdpunkter i operahistorien när det gäller deras drama. Även i denna sista opera Monteverdis L'incoronazione di Poppea hittar man prologen av tre allegoriska figurer som visas i Fortuna den Virtù hånade (dygden). Resten av aktionen äger rum i den jordiska världen kring den romerska kejsaren Nero , hans älskade fru Ottavia och Poppea , fru till pretorn Ottone . Detta blir Neros fru och kejsarinna. Neros brutala karaktär representeras av en castrato och motsvarande virtuos musik, Ottone, å andra sidan, verkar mjuk och Neros värda lärare och rådgivare Seneca tilldelas basrösten. Bel canto sång och koloratur rikedom används för adeln och för gudar, för resten av folket enklare ariosi och sånger.

1600-talet

Italien

Teatro San Carlo di Napoli, 1735

År 1637 öppnades Teatro San Cassiano i Venedig som det första offentliga operahuset. Nya platser skapades i snabb följd, och Venedig, med sin "venetianska opera", blev operacentret i norra Italien. Historiska framställningar ersatte snart de mytiska ämnena, som i operaen L'incoronazione di Poppea (1642), som fortfarande bär namnet Claudio Monteverdis, även om forskning sedan Alan Curtis har diskuterat om det snarare är en pasticcio som används av kända namn .

Publiken för dessa operaer bestod huvudsakligen av medlemmar i de icke-aristokratiska klasserna. Spelplanen bestämdes av den finansiella aristokratin baserat på allmänhetens smak . I detta sammanhang kommersialiserades och förenklades operan som kom fram från akademierna och orkestern minskades. Den da capo aria föregås av en recitativ formad solosång under en lång tid, var körer och ensembler förkortas. Fel och intriger bildade grundstrukturen i handlingen, som berikades med komiska scener från de populära mindre karaktärerna. Francesco Cavalli och Antonio Cesti var de mest kända venetianska operakompositörerna i generationen som följde Monteverdi. Författarna Giovanni Francesco Busenello och Giovanni Faustini ansågs vara stilformande och imiterades ofta.

Sedan 1650-talet blev staden Neapel det andra operacentret i Italien, starkare påverkat av aristokratins smak. Kompositören Francesco Provenzale anses vara grundaren av napolitansk opera . I nästa generation blev Alessandro Scarlatti en pionjär för den napolitanska skolan .

De librettister fick sina pengar genom att sälja läroböcker, som delades ut tillsammans med vaxljus att läsa tillsammans innan föreställningen. Under en lång tid förblev litteraturen om renässanshumanism förebild för italienska operatexter.

Operor gavs endast vid vissa årstider (italienska: stagione ): under karnevalen, från påsk till sommaruppehållet och från hösten till advent. Istället spelades oratorier under passions- och adventssäsongen . I Rom fick inte bara maskineffekter och körer större vikt utan också andliga ämnen.

Paris

I Paris , Jean-Baptiste Lully och hans librettist Philippe Quinault utvecklat en fransk version av operan, det mest utmärkande för vilka förutom körerna är balett . Lully skrev en fransk version av Cavallis L'ercole amante (1662), där han satte in baletter som var mer hyllade än opera. Cadmus et Hermione (1673) betraktas som den första tragédie lyrique och förblev en modell för efterföljande franska operaer.

Operan som importerades från Italien drevs tillbaka av tragédie lyrique. Ändå försökte Lullys efterträdare Marc-Antoine Charpentier och André Campra kombinera franska och italienska stilanordningar.

Tyska språkområdet

Baserat på italienska modeller utvecklades en oberoende operatradition inom det tyskspråkiga området så tidigt som i mitten av 1600-talet, som också inkluderar användning av tyskspråkig libretti.

Den första opera av en "tysk" kompositör var den (förlorade) Dafne av Heinrich Schütz 1627, som fick lära känna den musikaliska formen av opera under sin studievistelse i Italien från 1609 till 1613. Bara några år senare skrevs den första överlevande tyskspråkiga opera av Sigmund Theophil Staden 1644, baserad på en libretto av Georg Philipp Harsdörffer. Den andliga skogsdikten eller glädjespelet , kallad Seelewig , ett pastoral didaktiskt stycke i närheten av moraliserande skoldrama från renässansen.

Strax efter trettioårskriget etablerade sig operahus i de tyskspråkiga länderna alltmer som centrala mötes- och representationsplatser för de ledande socialklasserna. De ledande hertig- och kungahusen spelade en central roll och gav alltmer sina egna hovteatrar och tillhörande konstnärer, som vanligtvis också var öppna för (den rika) allmänheten. München fick sitt första operahus 1657 och Dresden 1667.

Allmänhet, d. H. ”Offentliga och populära” operahus finansierade av städer och / eller privata borgerliga skådespelare, som de i Venedig, existerade bara i Hamburg (1678), Hannover (1689) och Leipzig (1693). I avsiktlig kontrast till operationen vid de "ädla" husen, som domineras av italienskspråkiga operaer, förlitade sig Hamburgs opera på Gänsemarkt, särskilt Tysklands äldsta borgerliga operahus, medvetet på tyskspråkiga verk och författare. Som Handel , Keizer , Mattheson och Telemann . Från början av 1700-talet etablerade dessa en oberoende tyskspråkig opera och sångspelstradition med användning av tyskspråkiga libretti av poeter som Elmenhorst , Feind , Hunold och Postel . Hamburgs betydelse för utvecklingen av en självständig tyskspråkig operatradition understryks också av de två samtida skrifterna om opera teorin: Heinrich Elmenhorst's Dramatologia (1688) och Barthold Feinds Gedancken from the Opera (1708).

England

I England sprids operan relativt sent. Den dominerande musikteaterformen under tiden för den elisabetanska teatern var masken , en kombination av dans, pantomime, talad teater och musikaliska mellanrum, där texten till musik vanligtvis inte var direkt relaterad till handlingen. Efter det puritanska förbudet mot musik och teaterföreställningar 1642 var det inte förrän Stuart-restaureringen som började 1660 att ett teaterliv etablerades igen, där opera integrerades.

Ett verk som är unikt i alla avseenden är Henry Purcells en-timmars opera Dido och Aeneas (premiär antagligen 1689, libretto: Nahum Tate ). Kompositören tar upp delar av fransk och italiensk opera, men utvecklar sitt eget tonalspråk, vilket framför allt kännetecknas av att det förblir mycket nära texten. Korpassager och dansliknande avsnitt står i kontrast till huvudpersonernas arioso-passager, som klarar sig nästan utan arialiknande former. De förändrade stämningarna och situationerna återges exakt med musikaliska medel; den sista scenen, när den karthaginska drottningen Dido dör av ett krossat hjärta av en olycklig kärlek till den trojanska hjälten Aeneas , är en av de mest rörande i operalitteraturen.

1700-talet

Allmän utveckling

Under 1700-talet uppstod två typer av opera: Förutom den etablerade opera seria, som en form som främst bärs av adelens behov av representation och legitimering, som mest baseras på mytologiskt eller historiskt material och dess personal består av gudar, halvgudar, hjältar och prinsar Älskade och deras tjänare, opera buffa utvecklas omkring 1720 med ursprungligen råa komiska handlingar som utvecklas till borgerligt sentimentala.

I Frankrike är konkurrensen med italienska operor å ena sidan den kärleksfulla tragédie lyrique , med dess mer omfattande instrument jämfört med äldre italienska operaer, och å andra sidan opéra-comique , som kommer från den parisiska nöjesparken . Dessa genrer uppmuntrar även operaföreställningar på sitt eget språk utanför Frankrike, som en lokal motvikt till de allestädes närvarande italienska virtuoserna.

Marco Ricci : Operarepetition , 1709

Den stildefinierande tendensen i Italien under 1700-talets andra kvartal att göra den ursprungliga dramma per musica till en aria-konsert eller en nummeropera med fast innehåll och musik. En annan central utveckling under första hälften av 1700-talet är uppdelningen av da capo-arierna , som har vuxit till fem delar, med sekvensen AA'-B-AA 'i specifika undergrupper:

  • Aria di bravura (bravura aria ) med överdådig koloratur;
  • Aria cantabile med vackra linjer;
  • Aria di mezzo carattere med karakteristiskt orkesterackomp;
  • Aria concertata med konsertinstrument;
  • Aria parlante , som beskriver våldsamma känslor.

Kvällens stjärna kunde också sätta in en virtuos aria baule ("resväska aria") som inte hade något att göra med handlingen. Sådana arier kan lätt bytas ut eller användas flera gånger. Den bel canto -Gesang ingick de extrema höga toner, smidig drillar och hoppar till en presentation virtuos sångtekniker lång.

Pasticcio

Eftersom begreppet trohet mot verket ännu inte fastställdes på 1700-talet och klienten och publiken alltid ville ha nya, aldrig tidigare hörda operaer, och eftersom många operakompanier ofta bara hade begränsade resurser för instrumentalister och sångare, fanns det utbredd prestationspraxis på 1700-talet för att sätta ihop arier och ensembler från olika verk så effektivt som möjligt, beroende på befintlig uppställning, och lägga en sådan sekvens av musikaliska nummer med nya texter och en ny plot. Denna typ av opera kallades pasticcio ; en opera pasticcio kan komma från pennan från en enda kompositör som återanvänder befintliga nummer från tidigare verk, eller den kan bestå av verk av olika kompositörer. Denna praxis innebar att handlingen och stämningen för en operaföreställning inte fixades fram till slutet av 1700-talet - på vissa platser till och med på 1830-talet - och utsattes för ständiga anpassningar, förändringar och förändringar. Utövandet av pasticcio innebar att fram till början av 1800-talet knappast någon framställning av samma verk var musikaliskt eller med avseende på innehåll som liknade ett tidigare.

Nummeropera

Det resulterande kaoset - som genererades av strategin att möta olika förväntningar samtidigt - avvisade de italienska librettisterna Apostolo Zeno och Pietro Metastasio . Som en motåtgärd släppte de från slutet av 1730-talet och framåt alltmer överflödiga sidotecken, mytiska allegorier och sekundära karaktärer och föredrog istället ett tydligt, begripligt plot och språk. Genom att göra det skapade de grunden för en "mer allvarlig" typ av opera utöver opera seriens vanliga prestanda . Handlingsplanen som utvecklats för detta ändamål sammantrasslar huvudpersonerna i ett till synes olösligt dilemma, vilket i slutet visar sig vara bra på grund av en oväntad idé ( ligger bra ). Båda författarna inledde en förnyelse av operaen poetiskt. Mot godtycke i Pasticcio , numrerade de musikaliska delar, vilket gjorde det svårt att byta dem. På detta sätt bidrog de väsentligt till utvecklingen av nummeropera med sin fasta sekvens. Som ett fristående verk med en sträng plot kunde operaen nu hålla sig mot dramatiken .

Opera buffa

Genren av opera buffa uppstod samtidigt i Neapel och Venedig som en mestadels glad och realistisk typ av opera. Å ena sidan fanns oberoende musikaliska komedier, å andra sidan komiska mellanrum till opera seria i början av 1730-talet, från vilka Apostolo Zeno och Pietro Metastasio hade uteslutit komiska element så att de måste begränsas till mellanrum mellan handlingarna. Operan Lo frate 'nnamorato av Giovanni Battista Pergolesi , hade premiär den 28 september 1732 på Teatro dei Fiorentini i Neapel och verk av Baldassare Galuppi , som hade premiär i Venedig i mitten av 1740-talet och skapades i nära samarbete med Carlo Goldoni , anses vara stilistiska verk .

När det gäller innehåll hämtade Opera Buffa sig från den rika fonden Commedia dell'arte . Handlingarna var ofta blandade komedier, vars personal bestod av ett ädelt par i kärlek och två underordnade, ofta tjänarinnor och tjänare. Till skillnad från opera-serien kan den senare framträda som huvudaktörerna, som en borgerlig och subborgerlig publik kunde identifiera sig med. Operabuffan värderades också av aristokratin, som knappt tog sina provokationer på allvar.

Utveckling av Opera buffa till Opera semiseria

Från mitten av 1700-talet började komedi flytta i opera buffa till vardagliga och samtida handlingar, där adelsmän inte längre var osårliga. Mozarts Don Giovanni (1787) betraktades ursprungligen som en opera buffa och tolkades inte om förrän på 1800-talet, då de förförda borgernas öde kunde tas på allvar och den ädla förföraren kunde ses som en skurk.

Ett uttryck för dessa förändringar är den fortsatta utvecklingen av opera buffa till den typ av opera semiseria i slutet av 1700-talet, eftersom en borgerlig publik inte längre ville se sig skratta åt på scenen. Opera buffas vardagliga närhet och dess franska motsvarighet, opéra-comique , var socialt explosiv under andra hälften av 1700-talet. Relaterat till detta var Buffonist-tvisten som ägde rum i Frankrike från 1752 till 1754 . Jean-Jacques Rousseau uppskattade den borgerliga "glada" typen av opera mer än den höga aristokratins tragélyrique. Hans fördömande av fransk opera till förmån för italienska ledde till ilska reaktioner.

England

I den engelsktalande världen blev Georg Friedrich Händel (anglicerad George Frideric Handel) en av de mest produktiva operakompositörerna (mer än 45 operaer). Hans arbete i London hade inte bland annat den önskade affärsframgången. på grund av den starka konkurrensen från den berömda castrato Farinelli , som sjöng i det rivaliserande operakompaniet, och fördärvliga avgifter för de engagerade primadonnorna. Under 1900-talet återvände särskilt Alcina , Giulio Cesare och Serse till repertoaren och under de senaste decennierna många andra Händelsoperor (inklusive Ariodante , Rodelinda , Giustino ). Efter att den historiska uppförandepraxis hade undersökts bättre under den tidiga musikrörelsen gjordes också stildefinierande produktioner i de stora operahusen med hjälp av barockspecialister .

Jean-Michel Moreau : scen för Le devin du village (1753)

Frankrike

Den franska motsvarigheten till den kontroversiella operabuffan i Paris var Opéra-comique . Recitativen har ersatts av talade dialoger. Denna modell fick också framgång utomlands. Den nya enkelheten och närheten till livet återspeglas också i mindre arietas och nouveaux airs , som, till skillnad från de välkända vaudevillesna, var nykomponerade.

År 1752 upplevde Frankrike en ny konfrontation mellan fransk och italiensk opera, som gick in i historien som buffoniststriden . Giovanni Battista Pergolesis opera La serva padrona (tysk: piken som älskarinna ) var tillfället för detta. Mot artificialiteten och stiliseringen av den traditionella franska aristokratiska operaen, särskilt Jean-Jacques Rousseau och Denis Diderot , som försvarade sig mot Rameaus konst och stilisering . Förutom den medvetet enkla opera Le devin du village (tyska: Der Dorfwahrsager ), skrev Rousseau också en prisbelönt avhandling med titeln Discours sur les sciences et les arts (1750), där han förklarar ett liv som är oberoende av vetenskap och kultur till vara idealet. Han skrev andra musikartiklar för den berömda omfattande encyklopedin av den franska upplysningen. Buffoniststriden gick slutligen till nackdel för den italienska operatruppen, som utvisades från staden. Tvisten var därmed över för tillfället, men Grand Opéra låg fortfarande efter Opéra comique vad gäller popularitet.

Tyska språkområdet

Schikaneder som första Papageno , 1791

Stängningen av opera på Gänsemarkt 1738 ledde till en ytterligare förstärkning av den italienskspråkiga operaföretaget i det tyskspråkiga området, som redan var dominerande vid den tiden. Men med utgångspunkt från Hamburg-modellen, praxis att översätta recitativ till tyska för framträdanden av franska och italienska operaer, och främst av musikaliska skäl, bara att hålla originalspråket i arierna etablerade sig från mitten av 1700-talet. Från mitten av 1700-talet och framåt blev det mer och mer vanligt att sälja eller distribuera tryckta förklaringar och översättningar av icke-tyskspråkiga verk till allmänheten på tyska.

Omkring 1780, med Wolfgang Amadeus Mozarts arbete , började en utveckling som varade långt in på 1800-talet, vilket ledde till en förskjutning av den tidigare dominerande italienska till förmån för tyskspråkiga verk och föreställningar i tysk översättning. På så sätt fann Mozart sitt helt eget sätt att hantera traditionen med italiensk opera. Redan i sin ungdom lyckades han flera gånger i Italien (inklusive med Lucio Silla och Mitridate, re di Ponto ) och komponerade sitt första mästerverk för München med Idomeneo (1781), en operaseria som också var skriven på italienska . Han skulle återvända till denna form med La clemenza di Tito (1791) strax före sin död. Efter Singspiele Bastien och Bastienne , Zaide (fragment) och Die Entführung aus dem Serail (med denna opera premiär 1782 lyckades han etablera sig som frilansande kompositör i Wien) han gjorde det i sin Figaro (1786) och ännu mer i Don Giovanni (1787), Opera seria och Opera buffa kommer närmare varandra igen. Förutom det senast nämnda skapades ett tredje verk 1790 i ett trevligt samarbete med librettisten Lorenzo Da Ponte Così fan tutte . I Der Zauberflöte (1791) kombinerade Mozart operaelement med Singspiel och den lokalt rådande gamla wienska magiska teatern , som särskilt fick sin effekt från spektakulära sceneffekter och ett sagospråk. Det fanns också idéer och symboler från frimureriet (Mozart var själv medlem av lodgen). Mozarts operaer (och särskilt trollflöjten ) är fortfarande en del av standardrepertoaren i varje operahus. Han beskrev själv operan som en "stor opera i två akter".

Operareform

Titelvignett för Orfeo ed Euridice (Paris 1764)

Christoph Willibald Gluck , som också var verksam i både Italien och Wien, ledde en omfattande operareform med sina operaer Orfeo ed Euridice (1762) och Alceste (1767), där han kombinerade delar av seriös opera från Italien och Frankrike med det mer realistiska åtgärdsnivå för opera buffa a. Den genomgående tydliga och logiskt strukturerade handlingen, designad av Ranieri de 'Calzabigi , klarar sig utan komplexa intriger eller förvirringsdrama. Antalet huvudpersoner krymper. Det primära målet är större enkelhet och spårbarhet i handlingen.

Glucks musik är helt underordnad dramaturgin och texten, kännetecknar situationer och människor och står inte för att bel canto sjunger själv. Komponerade eller strofiska låtar ersatte da capo-arien. Detta uppnådde en ny naturlighet och enkelhet som motverkade ihåliga patos och sångerska sätt. I enlighet med den antika modellen deltog kören aktivt i åtgärden. Ouverturen avser plot och är inte längre en fristående instrumentalbit före opera. Italiensk arioso, fransk balett och pantomime, engelsk och tysk sång samt vaudeville integrerades i operan, inte som enskilda bitar som stod sida vid sida utan som en ny klassisk stil. Glucks estetiska idéer fick en ny blomning av sin student Antonio Salieri i slutet av 1700-talet. Operorna Les Danaïdes , Tarare och Axur, re d'Ormus är särskilt viktiga .

Försvinnandet av castratispelen

Ett annat uttryck för opera buffas större närhet till vardagen och de innovationer i operareformen som föreslagits av Christoph Willibald Gluck är den praxis som började under andra hälften av 1700-talet att avstå från höga castrato-roller för manliga roller till förmån för mer realistiska röster. Förutom den avsiktliga avgränsningen från operakulturen för adelens opera seria , som starkt påverkas av castratis virtuositet , spelade kostnadsskäl en avgörande roll i detta. Eftersom impresarios riktade operabuffan mot en mindre välmående borgerlig och subborgerlig publik, kunde de fruktansvärda kostnaderna för avgiften för en välkänd castrato knappast tjänas. Den resulterande identifieringen av den virtuosa kulturen i castrato-roller med den dyra traditionen i opera seria, som formades av adeln, förklarar också castratis försvinnande från operavärlden efter slutet av Ancien Régime och den resulterande ökningen av de "mer naturliga" rösterna i opera buffa och Opera semiseria bildade medelklassen till den sociala klassen på 1800-talet som också ledde opera.

1800-talet

Allmän utveckling

Under det första kvartalet av 1800-talet försvann recitativen tillsammans med den räknade basen alltmer till förmån för en noterad orkesterversion. Förutom de ledande italienska operaerna och de franska operatyperna uppstod gradvis andra nationella operaformer, först i Tyskland. Den franska revolutionen och uppkomsten av Napoleon visade tydligast sina effekter på opera i Ludwig van Beethovens enda opera Fidelio och Leonore (1805, 1806 och 1814). Dramaturgin och det musikaliska språket baserades tydligt på Luigi Cherubinis Médée (1797). Handlingen är baserad på en "fait historique" av Jean-Nicolas Bouilly , som komponerades 1798 av Pierre Gaveaux under titeln Léonore, ou L'amour conjugal ; idealen för den franska revolutionen utgör därför också bakgrunden till Beethovens opera. Fidelio kan räknas till typen av " räddningsopera ", där den dramatiska räddningen för en person från stor fara är föremål. Formellt är verket inkonsekvent: den första delen är som en sång, den andra med den stora korfinalen uppnår symfonisk inverkan och närmar sig oratoriet . Efter trollflöjten och Fidelio behövde den tyska produktionen flera försök för att äntligen utveckla sitt eget operaspråk under den romantiska eran. ETA Hoffmann tillhandahöll en av de viktigaste inledande scenerna med sin romantiska opera Undine och Louis Spohr med sin inställning av Faust (båda 1816).

Tyska språkområdet

Fierrabras av Franz Schubert , Salzburg Festival 2014

När allt kommer omkring var det Carl Maria von Weber som från traditionen av Singspiel väckte tysk opera till liv i form av Freischütz i orkestern 1821 med mycket dramatisk färgrikedom . Hans verk Oberon (London 1826), som knappast spelades på grund av den dåliga textboken, fäste orkestern så mycket vikt att kända kompositörer som Gustav Mahler , Claude Debussy och Igor Stravinsky senare hänvisade till det.

Andra kompositörer av tysk romantik var den mycket romantiska Franz Schubert ( Fierrabras , komponerad 1823, premiär 1897), vars vänner inte kunde förse honom med en trevlig text, och Robert Schumann , som med inställningen av Genoveva- materialet, populärt bland romantiker, var bara en Opera (1850). Det är också värt att nämna Heinrich Marschner , som utövade ett stort inflytande på Richard Wagner med sina operaer om övernaturliga händelser och skildringar av naturen ( Hans Heiling , 1833) , Albert Lortzing med sina speloperor (inklusive Zar och Zimmermann , 1837 och Der Wildschütz , 1842), Friedrich von Flotow med sin komiska opera Martha (1847) och slutligen Otto Nicolai , som förde något "italianità" till tysk opera med Lustige Frau von Windsor (1849).

Richard Wagner omformade äntligen operan så fundamentalt enligt hans idéer att de ovannämnda tyska kompositörerna plötsligt bleknade bredvid honom. Med Rienzi (1842) hade den hittills ganska olyckliga Wagner sin första framgång i Dresden; det överträffades senare av The Flying Dutchman (1843). På grund av sitt engagemang i marsrevolutionen 1848 i Dresden var Wagner tvungen att gå i exil i Schweiz under många år. Hans senare svärfar, Franz Liszt , bidrog till att Wagner fortfarande var närvarande i Tyskland med världspremiären av Lohengrin (1850) i Weimar . Med stöd av den unga bayerska kungen Ludwig II kunde Wagner äntligen förverkliga den länge omhuldade planen för Ring des Nibelungen , för vilken han lät bygga Bayreuth Festival Theatre , där endast hans verk spelas fram till i dag.

Richard Wagner

Wagners grundläggande innovation bestod i fullständig upplösning av nummeropera. Det fanns redan tendenser till en välkomponerad opera i Webers Freischütz eller i Robert Schumanns sällan spelade Genoveva (1850). Denna utveckling slutfördes endast konsekvent av Wagner. Dessutom behandlade han sångröster och orkesterpartier på lika villkor. Orkestern följer inte längre sångaren, utan fungerar som en " mystisk avgrund " i olika relationer med det som sjungs. Längden på Wagners opera kräver mycket koncentration och uthållighet från sångare och lyssnare. Teman för hans - med undantag av några tidiga verk och Meistersinger  - genomgående seriösa operaer, vars librettos han själv skrev om, är ofta inlösen genom kärlek, avsägelse eller död.

I Tristan und Isolde (1865) flyttade Wagner till stor del dramat till huvudpersonernas psykologiska interiör, som han sedan kunde belysa med sin musik - operans yttre plot, å andra sidan, är ovanligt händelsefri. Utformningen av denna "oceaniska" interiör tjänade också övertonerna, som med " Tristan-ackordet " drev de harmoniska regler som gällde fram till den punkten i bakgrunden och därmed gick in i musikhistorien. Musikaliskt kännetecknas Wagners opera både av hans geniala behandling av orkestersättningen, som också utövade ett starkt inflytande över tidens symfoniska musik fram till Gustav Mahler , och av användningen av återkommande motiv, de så kallade leitmotiverna , som handlar om med figurer och situationer, individuella termer eller med vissa idéer. Med Ring des Nibelungen (komponerad 1853–1876), den mest berömda operacykeln i fyra delar (därmed helt enkelt kallad "tetralogin") med en total föreställningstid på cirka 16 timmar, skapade Wagner en monumental musikalisk och dramatisk förverkligande av sin opera och drama (1852) utvecklade en reform av den traditionella opera. Den Parsifal scenen invigningen festival var den sista av hans operor, som delade musikvärlden i två läger och väckte både imitatörer ( Engelbert Humperdinck , Richard Strauss innan hans Salome ) och skeptiker - särskilt i Frankrike.

Frankrike

I Frankrike var formen av opéra-comique , som utvecklades under andra hälften av 1700-talet, rådande från början . Daniel-François-Esprit Auber lyckades med sin opera La muette de Portici (1828) vars titelhjälte skildrades av en ballerina som förblev tyst, anslutningen till Grand opéra ("stor opera"). Dramatikern Eugène Scribe blev deras huvudlibrettist. I Grand Opéra kom, förutom intrikaten i den typiska operakärlekshistoria, historiskt-politiska motiv fram, vilket tydligt visades i Rossinis sista opera, Guillaume Tell (1829). Den mest framgångsrika representanten för Grand Opéra var Giacomo Meyerbeer , med sina verk Robert le diable (1831), Les Huguenots (1836) och Le prophète (1849), som spelades i den internationella repertoaren i årtionden och in i början av 1900-talet. Andra viktiga exempel är La Juive (”The Jewess”, 1835) av Halévy , Donizettis Dom Sébastien (1843) eller Verdis Don Carlos (1867).

Från omkring 1850 slogs Opéra comique och Grand opéra samman till en ny form av opera utan dialoger. År 1875 skrev Georges Bizet sitt mest kända scenverk Carmen som Opéra comique, vars recitativ bara tillkom postumt av Ernest Guiraud . Om verkets ”realistiska” plot och ton inte stämmer överens med en storslagen opéra, motsäger återigen det tragiska slutet, som ursprungligen orsakade ett misslyckande vid premiären, opéra comique. Ytterligare exempel på blandning av opéra comique och grand opéra är Charles Gounods Faust (1859) - här används termen drame lyrique för första gången - och Jacques Offenbachs Les contes d'Hoffmann ( Hoffmanns berättelser , 1871–1880).

Ryssland

Slutligen kom Ryssland på plats med sina första nationella operaer, näring genom att importera andra framgångar från väst. 1836 komponerade Michail Glinka opera Жизнь за царя ( Schisn sa zarja, tyska: Ett liv för tsaren , bytt namn till Iwan Sussanin i Sovjetunionen ). Verket har ett ryskt ämne, men musikaliskt påverkas det fortfarande starkt av västerländska influenser. Hans mest kända opera Ruslan och Lyudmila utövade ett stort inflytande på de följande generationerna av ryska kompositörer. Modest Mussorgsky släppte sig slutligen från västerländska influenser med Boris Godunov (1874) efter ett drama av Alexander Pushkin . Till och med Borodins prins Igor (1890) ledde vidare Glinkas arv. Pyotr Tsjajkovskij stod mellan ryska traditioner och västvärldens och med Eugene Onegin (1879) och Spadrottningen (1890) designade han kärleksdramor med borgerlig personal, som båda baserades på en modell av Pushkin.

Böhmen

I Böhmen var Bedrich Smetana och Antonin Dvorak , de mest framförda kompositörerna till Prags nationalopera, med Smetanas Libuse (1881) i den nya nationalteatern som tog i Prag började. Den sålda bruden (1866) av samma kompositör blev en exporthit. Dvořaks opera Rusalka (1901) kombinerade folklegender och tyska sagokällor till en lyrisk sagaopera. Bohuslav Martinů och Leoš Janáček fortsatte sina ansträngningar. Den senare kompositören har återupptäckts i sin modernitet under de senaste decennierna och har i allt högre grad erövrat repertoaren. Medan The Cunning Little Vixen (1924) fortfarande framförallt framförs i den tyska översättningen av Max Brod , utförs andra verk som Jenůfa (1904), Káťa Kabanová (1921) eller Věc Makropulos (1926) alltmer i den ursprungliga tjeckiska versionen. detta är viktigt eftersom Janáčeks tonalspråk är nära baserat på hans modersmåls fonetik och prosodi .

Italien

Från 1813, när hans operaer Tancredi och L'italiana framfördes i Algeri , föll Italien i händerna på den unga och extremt produktiva belcanto- kompositören Gioachino Rossini . Il barbiere di Siviglia (1816), La gazza ladra (Eng. The Thieving Magpie ) och La Cenerentola (båda 1817) baserade på Cinderella-sagan av Charles Perrault finns hittills i standardrepertoaren för operahus. Fjädrande rytm och en lysande och kvick orkestrering, liksom en virtuos behandling av sångrösten, gjorde Rossini till en av de mest populära och vördade kompositörerna i Europa. Rossini skrev ner de improviserade dekorationerna av sångarna som hittills var vanliga i sina roller och förhindrade därmed överdriven improvisationer. Han insåg en ny formell idé med sin scena ed aria , som avslappnade den styva växlingen mellan recitativ och aria och ändå bibehöll principen om nummeropera. Dessutom skrev Rossini ett antal operaserier (t.ex. hans Otello , 1816 eller Semiramide , 1823). 1824 åkte han till Paris och skrev viktiga verk för Opéra. Han skrev en politisk grand opéra om William Tell ( Guillaume Tell , 1829), som förbjöds i Österrike och framfördes på olika europeiska platser i en defuserad version med andra huvudhjältar.

Giuseppe Verdi
Enrico Caruso, Bessie Abott, Louise Homer, Antonio Scotti, sjunger kvartetten "Bella figlia dell'amore" från Verdis Rigoletto

Rossinis yngre samtida och efterträdare kopierade inledningsvis hans koloraturstil tills Vincenzo Bellini och Gaetano Donizetti särskilt lyckades frigöra sig från den överväldigande modellen med sin egen, något enklare, mer uttrycksfulla och mer romantiska stil. Bellini var känd för den uttrycksfulla och sofistikerade deklamationen av sina recitativ och de "oändligt" långa och uttrycksfulla melodierna i hans operaer, såsom Il pirata (1827), I Capuleti ei Montecchi (1830), I puritani (1835), La sonnambula ( 1831), och särskilt Norma (1831). Bellini skrev titelrollen för denna opera med den berömda arien "Casta diva", precis som Amina i La sonnambula , för den stora sångerskan Giuditta Pasta . Norma är så krävande att den bara kan sjungas och tolkas av väldigt få stora sångare; den rivdes från glömska igen av Maria Callas historiska tolkning .

Donizetti, som var några år äldre än honom, var en extremt hårt arbetande kompositör som blev den mest framgångsrika italienska operakompositören tillsammans med Bellini och särskilt efter hans alltför tidiga död (1835). Han fick sitt första stora genombrott med Anna Bolena (1830), vars titelroll också skapades av Pasta och återupptäcktes av Callas. Å andra sidan har Lucia di Lammermoor (1835) med den berömda galna scenen rik på färgämnen aldrig helt försvunnit från repertoaren och förblir tillsammans med de glada operorna L'elisir d'amore (1832), Don Pasquale (1843) och La fille du régiment (1840) konsekvent på repertoaren av operahus.

Bellinis breda bågar av melodi gjorde ett starkt intryck på den unga Giuseppe Verdi . Sedan hans tredje opera, Nabucco , ansågs han vara den nationella kompositören för Italien, som fortfarande styrdes av Habsburgarna . Kören "Va, pensiero, sull 'ali dorate" utvecklades till landets hemliga nationalsång . Musikaliskt kännetecknas Verdis musik av en starkt betonad, tydlig rytm, över vilken enkla, ofta extremt uttrycksfulla melodier utvecklas. I sina operaer, där Verdi, med en omisskännlig teaterinstinkt, ofta bidrog till läroboken själv intar körscenerna initialt en viktig position. Verdi övergav alltmer traditionell nummeropera; Konstant känslomässig spänning krävde en varierad blandning av enskilda scener och arier. Med Macbeth vände sig Verdi äntligen från nummeropera och fortsatte på sin väg till intim karaktärsskildring av individer. Med La traviata (1853, baserad på romanen 1848 The Lady of the Camellias av Alexandre Dumas the Younger , som kretsar kring den autentiska figuren av kurtisanen Marie Duplessis ) tog han ett samtida ämne till operascenen för första gången, men var tvingas av censorerna att stoppa planen för att flytta från nuet. Verdi satte ofta musik på litterära källor, till exempel av Friedrich Schiller (t.ex. Luisa Miller efter Kabale und Liebe eller I masnadieri efter Die Räuber ), Shakespeare eller Victor Hugo ( Rigoletto ). Med sina bidrag till Grand Opéra skriven för Paris (t.ex. Don Carlos , 1867) förnyade han också denna form och tog upp delar av Richard Wagners musikdrama med den sena Otello tills han kom med den överraskande komedin Falstaff (1893; poesi i båda Cases of Arrigo Boito ) komponerade sin sista av nästan 30 operaer vid 80 års ålder. Förmodligen hans mest populära opera är Aida , skriven 1871.

Sekelskifte

Francisca Pomar de Maristany sjunger "Vissi d'arte" från Giacomo Puccinis Tosca - inspelning från 1929

Efter att Verdi avgått erövrade de unga Verists (ital. Vero = true) scenen i Italien. Oautifierad naturalism var ett av deras högsta estetiska ideal - följaktligen avstods snyggt skrivna verser från. Pietro Mascagni ( Cavalleria rusticana , 1890) och Ruggero Leoncavallo ( Pagliacci , 1892) var de mest typiska kompositörerna under denna period. Giacomo Puccini , å andra sidan, växte i berömmelse långt bortom henne och är fortfarande en av de mest utförda operakomponisterna till denna dag. La Bohème (1896), en moralisk målning från Paris vid sekelskiftet, den "politiska thrillern" Tosca (1900, baserad på drama med samma namn av Victorien Sardou) och Fjärran östra Madama Butterfly (1904), med den oavslutade Turandot (premiär postumt 1926) fortfarande runt en annan ökad exotism, har blivit hits främst på grund av deras melodier. Puccini var en framstående teaterartist och visste exakt hur man skulle skriva för rösten; instrumenteringen av hans partiturer, mestadels för en stor orkester, är mycket differentierad och mästerlig. För närvarande återupptas den italiensk-tyska kompositören Alberto Franchetti , som var mycket populär vid den tiden , motvilligt trots sina tre världssucceser ( Asrael , Christoforo Colombo och Germania ). Engagerat i ett annat musikaldramatiskt ideal än Veristen var Alfredo Catalani , som var aktiv samtidigt och vars verk, som är mycket populära bland allmänheten, också är blandade med fantastiska element. Hans sista och nu mest kända opera, La Wally, baserad på romanen Die Geier-Wally av Wilhelmine von Hillern , hade premiär den 20 januari 1892 på Teatro alla Scala i Milano.

Tidigt 1900-tal

Mary Garden som Melisande

Frankrike

Claude Debussy lyckades äntligen befria sig från tyska inflytande, och med Pelléas et Mélisande 1902 skapade han ett av de mest nyanserade exemplen på den ledmotivteknik som antogs av Wagner . Maurice Maeterlincks originaltext erbjöd många tvetydiga symboler, som Debussy antog i orkesterspråket. Sångpartierna var nästan helt recitativa och erbjöd Wagners ”oändliga melodi” ett motexempel med det ”oändliga recitativet”. Ett av de sällsynta undantagen som erbjuder lyssnaren en vokallinje är den enkla sången till Mélisande, som på grund av sin korthet och brist på dekoration knappast kan betraktas som en riktig aria.

Wiens skola

Efter Richard Strauss , som ursprungligen blev en senromantisk expressionist med Salome och Elektra , men sedan återvände till tidigare kompositionstilar med Der Rosenkavalier och ett antal verk spelas fortfarande mycket idag (t.ex. Ariadne auf Naxos , Arabella , Die Frau ohne Shadow och Die Schweigsame Frau ), bara ett fåtal kompositörer lyckades hitta en permanent plats i operahusrepertoaren. Istället upprätthölls (och upprätthålls) det förflutna arbetet. Inkluderingen av ett samtida verk i standardrepertoaren är fortfarande undantaget.

Alban Berg lyckades göra detta med sina operor Wozzeck , som lagts ut som en frittonal, och Lulu , som utnyttjar tolvtonmusiken fullt ut. Det första fragmentet av Lulu slutfördes i sin treaktsform av Friedrich Cerha för Paris föreställning under Pierre Boulez och Patrice Chéreau . Av båda operaerna, särskilt Wozzeck, där verkets innehåll och musikvision hittar en enhet, har nu kommit in i den välbekanta operarepertoaren i otaliga produktioner på stora och små scener runt om i världen och har uppnått en obestridd position. Det är ganska lika med Lulu, som emellertid ofta bara kan behärskas av större scener på grund av arbetet. Men hon inspirerar regelbundet viktiga tolkar som Anja Silja , Evelyn Lear , Teresa Stratas eller Julia Migenes .

Arnold Schönberg, 1948

Av Arnold Schoenberg som regelbundet är monodrama förväntningar  den första operan för en sångare - - och den medvetet oavslutade av kompositören som efterlämnats, ställde de högsta kraven på kören Vice gränsarbetet Moses och Aaron . Förväntan, skriven redan 1909, men hade bara premiär i Prag 1924 med Marie Gutheil-Schoder under ledning av Alexander von Zemlinsky , visade en specifik fascination för sångare (särskilt Anja Silja och Jessye Norman ) såväl som för regissörer under åren efter andra världskriget (t.ex. Klaus Michael Grüber med Silja 1974 i Frankfurt; Robert Wilson med Norman 1995 vid Salzburg Festival ). 1930 började Schönberg arbeta med Moses och Aron, som han bröt av 1937; Efter sin iscensatta premiär i Zürich 1957 har denna opera visat sig vara särskilt lämplig för scenen i många internationella föreställningar, särskilt sedan 1970-talet. Det är också intressant att Moses använder en muntlig sång genom hela opera, vars tonhöjd är förutbestämd, medan Aron sjunger.

Ytterligare utveckling inom det tysktalande området

Annars lämnade Wienskolan inga spår i standardrepertoaren. Musikaliskt var dock varje modern kompositör tvungen att ta itu med tolvtonmusik och bestämma om de skulle fortsätta arbeta på grundval av den eller att tänka i tonlinjer.

Hans Pfitzner var en av de viktigaste kompositörerna under första hälften av seklet som medvetet höll sig till tonaltraditionerna. Hans operaverk visar influenser från Richard Wagner och tidiga romantiska kompositörer som Weber och Marschner. Pfitzners musik bestäms till stor del av linjärt-polyfoniskt tänkande, harmonin rör sig mellan enkel diatonisk och kromatism som går till gränserna för tonalitet. Av alla Pfitzners opera är den musikaliska legenden Palestrina , som hade premiär 1917, mest känd. Han skrev också: Dålig Heinrich , Die Rose vom Liebesgarten , Das Christ-Elflein och Das Herz .

Franz Schreker skapade Der ferne Klang 1912, en av de stora operaerna före andra världskriget , men glömdes senare när nationalsocialismen pressade hans verk från repertoaren. Efter många tidigare försök började den riktigt djupa återupptäckten av denna kompositör först på 1980-talet, som förutom nya produktioner av Der ferne Klang ( Teatro La Fenice 1984, Wiener Staatsoper 1991) också producerade föreställningar av Die Gezeichen , Der Schatzgräber eller Irrelohe . Starkt differentierade klingor spelar en viktig roll i Schrekers musik. Med Schreker intensifieras Wagners kromatiska harmoni igen, vilket ofta suddar tonbanden utan erkännande.

Liknar Schreker, Wienern Alexander von Zemlinsky och Brno Erich Wolfgang Korngold , vars verk också hade en svår tid efter 1945. Sedan 1980-talet har båda kompositörerna lyckats få tillbaka en plats i den internationella repertoaren, Zemlinsky med kläder gör mannen , men särskilt A Florentine Tragedy , The Dwarf and The King Kandaules , Korngold med The Dead City .

Walter Braunfels arbete förbjöds också av nationalsocialisterna och har bara fått ökad uppmärksamhet sedan slutet av 1900-talet. Braunfels var med sin opera Die Vögel en av de mest framträdande kompositörerna på tyska operascener på 1920-talet. Den stilistiska mångsidigheten i hans verk är slående: om prinsessan Brambilla erbjuder ett alternativ till Wagners arvsmusikdrama baserat på Commedia dell'arte , visar Fåglarna Pfitzners inflytande. Med de senare operorna Annunciation , The Dream a Life och Joan of Arc - Scenes from the Life of St.Johanna , närmar sig Braunfels tonalspråket för senare Hindemith.

En av de unga generationens mest framgångsrika kompositörer på 1920-talet var Ernst Krenek , en student från Schreker, som ursprungligen orsakade en känsla med expressionistiska verk som hölls i fri atonalitet. Hans opera Jonny 1927 , som tar upp delar av jazz, var en skandalös framgång. Det är ett typiskt exempel på genren "Zeitoper" som uppstod vid den tiden, som tog sina handlingar från vardagen vid den tiden, som bestämdes starkt av förändringen i olika mode. Kreneks musik avvisades senare av nationalsocialisterna som "degenererad" och förbjöds. Komponisten emigrerade till USA och hade mer än 20 operaer 1973, där den förändrade utvecklingen av 1900-talets musik exemplifieras.

Andra världskriget

Den andra världskriget innebar en viktig vändpunkt i historien om Europa och Amerika, som också hade en inverkan på den musikaliska världen. I Tyskland spelades operaer med moderna ljud sällan och blev alltmer sidled. Ett typiskt exempel på detta är Paul Hindemith , som under 1920-talet betraktades som en musikalisk "bourgeoisie" med verk som opera Cardillac , men efter 1930 fann han äntligen en måttligt modern stil med nyklassiska influenser. Mathis målaren (kompositören satte ihop en mycket spelad symfoni från delar av denna opera). Trots stilförändringen kände Hindemith avvisningen tydligt för att Adolf Hitler hade kränkt personligt vid sin opera Neues von Tag , som han slutförde 1929 . Slutligen märktes Hindemiths verk "degenererade" och deras framträdande förbjöds. Liksom andra artister och kompositörer före och efter honom, gick Hindemith i exil 1938.

Tid efter 1945

Allmän utveckling

Perioden efter 1945 präglades av en tydlig internationalisering och individualisering av operaverksamheten, vilket gjorde att den tidigare indelningen i nationella traditioner knappast verkade meningsfull.

Opera blev mer och mer beroende av kompositörens individuella inflytande än av allmänna trender. Den ständiga närvaron av "klassikerna" i operarepertoaren ökade kraven på moderna operaer, och varje kompositör var tvungen att hitta sitt eget sätt att hantera det förflutna, fortsätta det, att alienera det eller bryta med det. I det följande framkom operor om och om igen som bröt gränserna för genren och försökte övervinna dem. På musikalisk och textnivå lämnade kompositörerna alltmer välbekant territorium och inkluderade scenen och den sceniska handlingen i den - ofta tillräckligt abstrakta - musikaliska sekvensen. Ett kännetecken för expansionen av visuella medel under 1900-talet är videoprojektioner som ursprungligen åtföljer handlingen och senare blir mer oberoende.

Bo Skovhus som Lear i opera med samma namn av Aribert Reimann vid Hamburgs statsopera 2012. Foto: Brinkhoff Moegenburg

I den ökande individualiseringen av musikaliskt språk kan trender fortfarande kännas igen i opera under andra hälften av 1900-talet: å ena sidan litterära operaer , vars dramaturgi till stor del bygger på tradition. För detta används emellertid mer och mer aktuella material och libretti. Ändå är två banbrytande verk av den här tiden av alla operaer som använder litterära klassiker som grund, nämligen Bernd Alois Zimmermanns opera Soldaterna baseradeJakob Michael Reinhold Lenz och Aribert Reimanns Lear baseradeWilliam Shakespeare . Ytterligare exempel på litterär opera är Reimanns Das Schloss (efter Kafka ) och Bernarda Albas Haus (efter Lorca ). Politiska ämnen sätts också alltmer på musik, med början med Luigi Nono och Hans Werner Henze ; ett senare exempel är Gerhard Rosenfelds opera Kniefall i Warszawa om Willy Brandt , vars premiär 1997 i Dortmund hade liten effekt på allmänheten eller pressen och inte resulterade i några uppföljningsproduktioner.

Om Luigi Nonos verk inte längre kan kategoriseras som litterära operor på grund av deras experimentella musikalspråk utforskas operaens dramaturgi också för dess experimentella möjligheter. Termen opera genomgick därför en förändring under andra hälften av 1900-talet, med många kompositörer som ersatte den med musikteater eller musikscener och använde termen opera endast för verk som är uttryckligen kopplade till tradition. I experimentella kompositörers verk kan man inte bara upptäcka en kreativ hantering av text och dramaturgi, scenen, orkestern, och sist men inte minst, själva musiken övervinner konservativa mönster, genren kan inte längre avgränsas här . Dessutom används nya medier som video och elektronik, men drama, dans och performance hittar också sin väg till opera.

En annan italiensk kompositör förkroppsligar sin egen röst i samtida musikteater: Salvatore Sciarrino . Med sitt intresse för kläder eller tystnaden i musik skapar han. Några av verken är omisskännliga tack vare renässansens kompositionstekniker (t.ex. i sin opera Luci mie traditrici från 1998 om madrigalkompositörens liv Carlo Gesualdo ).

Benjamin Britten förde det moderna England till den internationella operascenen. Den mest kända av hans mest tonala operor är A Midsummer Night's Dream , baserad på pjäser av William Shakespeare , Albert Herring , Billy Budd och Peter Grimes . Brittens kärlek och talang för ljudmålning visades om och om igen, särskilt i avbildningen av havet.

Den dialog des Karmelitorden (Samtal i Karmelitorden , uruppfördes 1957) av Francis Poulenc anses vara en av de viktigaste verk av modern musikteater. Grunden är det historiska materialet från martyrerna i Compiègne , som 1794 gick till ställningen som sjöng under den revolutionära domstolens ögon efter att de vägrade att bryta sina religiösa löften. Den andra berömda opera för en enda sångare går också tillbaka till Poulenc: I La voix humaine , den person som bara kallas "kvinna" bryter på grund av sin älskares otrohet, som dumpar henne över telefonen. Luciano Berio använde också en kommentarkör för den kvinnliga huvudpersonen ”Sie” i Passaggio .

Kompositören Philip Glass , som arresterade Minimal Music , använde inte längre anslutna meningar för Einstein on the Beach , utan använde istället siffror, solfège stavelser, nonsensord. Presentationen av händelserna på scenen var avgörande. 1976 skapades Einstein on the Beach , den första delen av en trilogi där Satyagraha och Akhnaten också är representerade - hyllningar till personligheter som förändrade världshistorien: Albert Einstein , Mahatma Gandhi och den egyptiska farao Akhnaton . Glass verk har visat en stor allmänvård , särskilt i samband med de trivsamma produktioner av Robert Wilson eller Achim Freyer .

Mauricio Kagels teaterverk är lika ofta verk om musik eller teater, som bäst kan klassificeras som "scenisk-musikalisk handling" - musiken är knappast fixad, eftersom Kagel låter sig fritt improviseras av sina artister som använder icke-instrument (Blixtlås, babyflaskor etc.) eller använd dem på ett ovanligt sätt, sjung meningslösa stavelser eller skapa handlingar och / eller musik av en slump eller improviserad läsning. Med humor kritiserade Kagel staten och teatern, militären, konstindustrin osv. Skandaler väckte hans mest kända verk, State Theatre , där teaterens dolda mekanismer lyfts upp till ytan.

Luigi Nono använde å andra sidan sin musik för att anklaga politiska och sociala problem. Detta blir särskilt tydligt i Intolleranza 1960 , där en man på en resa till sitt hemland upplever demonstrationer, protester, tortyr, koncentrationsläger , fängelse och övergrepp till och med en översvämning, och slutligen inser att hans hem är där han behövs.

En mycket produktiv kompositör var Hans Werner Henze , som tilldelades Japans konststiftelse ( Imperial of the Japan) (så kallat Nobelpris för konst ) 2003 . Från början var han i konflikt med den rådande strömmen av samtida musik i Tyskland, varav vissa var dogmatiskt orienterade (nyckelordet Darmstadt eller Donaueschingen , se ovan), tog upp serietekniker , men använde också helt andra kompositionstekniker, inklusive aleatoric . I början av sin operakarriär arbetade han med poeten Ingeborg Bachmann ( The Young Lord , 1952, och Kleists anpassning The Prince of Homburg , 1961). The Elegy for Young Lovers (1961) skrevs med WH Auden och Chester Kallman, librettisterna i Stravinskys opera The Rake's Progress . Han satte senare musik på libretti av Edward Bond ( The Bassarides , 1966 och The English Cat , 1980). Hans verk L'Upupa and the Triumph of Son's Love hade premiär 2003 vid Salzburg-festivalen. Henze, som har bott i Italien i många decennier, har hållbart främjat och påverkat många yngre kompositörer. Biennalen för ny musikteater, som han grundade, har funnits i München sedan 1988 .

Världsparlamentet för den första scenen på ONSDAG, från Stockhausens operacykel LIGHT. Birmingham Opera 2012

Karlheinz Stockhausen avslutade sin heptalogi LIGHT, som han startade 1978, 2005 . Med sitt huvudverk lämnar han ett monumentalt opus som behandlar religiösa teman, bestående av sju operaer, var och en representerar en veckodag. De första operor har premiär i Milano ( torsdag , lördag , måndag ), i Leipzig de spelade för första gången på tisdag och fredag . I sin helhet har det komplexa arbetet, som omfattar totalt 29 timmar musik, ännu inte utförts, inte minst på grund av de enorma organisatoriska svårigheterna.

Operan Das Mädchen mit den Schwefelhölzern av Helmut Lachenmann uppmärksammades i Tyskland 1996 . Den bygger på den berömda julberättelsen av Hans Christian Andersen . På ett idiosynkratiskt sätt och med delvis nya instrumenttekniker omvandlar Lachenmann känslan av kyla till ljud.

Enligt Operabase- statistiken är de fem mest utförda levande operakompositörerna under de fem säsongerna från 2013/14 till 2017/18 amerikanerna Philip Glass , Jake Heggie , engelsmannen Jonathan Dove , holländaren Leonard Evers och engelsmannen Thomas Adès . Operabasen utnämner Peter Lund den 8: e, Marius Felix Lange den 11: e, Wolfgang Rihm den 14: e, Ludger Vollmer den 17: e och Aribert Reimann på 23: e plats som de mest utförda tyska kompositörerna .

Sedan Humperdincks sagaopera Hansel och Gretel har operakompositörer upprepade gånger skrivit barnoperor , t.ex. B. Henze ( Pollicino , 1980), Oliver Knussen ( Where the wild guys live , 1980 and 1984) och Wilfried Hiller ( Tranquilla Trampeltreu , Norbert Nackendick , Der Rattenfänger , Eduard auf dem Seil , Wolkenstein and Der Goggolori ).

Andra viktiga operakompositörer från 1900- och 2000-talen

form

Operan kännetecknas av en mängd olika former, som bestäms av konventionella kompositionsstilar samt av individuella lösningar av kompositörerna. Därför finns det ingen allmän formel för deras struktur. Grovt sett kan man dock se en utveckling från nummeropera genom många olika blandningsformer till den grundligt komponerade opera omkring 1900.

Nummeropera

Från barockperioden till den romantiska eran är operan en serie fristående musikstycken (" siffror ") som länkas av recitativ eller (i Singspiel ) talade dialoger och representerar en kontinuerlig plot . Precis som dramat kan en opera delas in i handlingar , bilder , scener eller framträdanden . Operans musikaliska komponenter är olika:

Instrumental musik

Stängda lyriska former

Handlingsfokuserade avsnitt och siffror

  • Den recitativ är en text inställning som anpassar sig till tal rytm och tal melodi . Den används främst för att förmedla handling, särskilt i dialogscener. I barock och klassisk musik görs en åtskillnad mellan recitativo secco , (ital. Secco , torr) och recitativo companagnato (ital. Accompagnato , åtföljd). I secco recitativet är endast sång- och baspartierna noterade, senare också tillhörande ackord som figurerad bas eller i skriftlig form. Sångaren åtföljs av ett eller ett fåtal instrument, mestadels en bas- och ett harmoniinstrument (plockat eller keyboardinstrument). På 1700-talet föll denna uppgift alltmer bara till cembalo och senare även på fortepiano . I Accompagnato-recitativet komponeras ackompanjemanget för orkestern; det är ofta relaterat till en aria vars situation den förbereder sig för.
  • Scenen, på italienska Scena , uppstod på 1800-talet från det handlingsinriktade recitativet och åtföljs av orkestern. Vanligtvis följs detta av en aria.
  • Den melodram består antingen att tala tillsammans med musik, till exempel i Antonio Salieri s Rauchfangkehrer (1781), fängelsehålan scen från Ludwig van Beethovens Fidelio (1805/1814) och Wolfsschlucht scen från Carl Maria von Webers Friskytten (1821), eller bara en pantomime tillsammans med musik som i Daniel-François-Esprit Aubers La muette de Portici (1828) eller Giacomo Puccinis Suor Angelica (1918). Melodrama bildar en oberoende form, som omfattade hela verk som Franz Schuberts Die Zauberharfe (1820), men har nu försvunnit från teatrarna. Dagens filmmusik drar nytta av melodramens effekt .

Grundligt sammansatt stor form

Skillnaden mellan siffror och skillnaden mellan recitativ och ari ifrågasattes på 1800-talet. Från 1825 försvann gradvis secco-recitativet och tog sin plats i italiensk litteratur enligt principen scena ed aria , som i Giuseppe Verdis verk formar handlingarna till en större musikalisk helhet. Från mitten av seklet fördjupade Richard Wagner övergivandet av talstrukturen till förmån för en välkomponerad helhet som bildades på grundval av leitmotiv . För Wagners opera har termen musikdrama etablerat sig , nyckelordet " oändlig melodi " står för en kontinuerlig utveckling av musikalisk och emotionell utveckling, som enligt hans åsikt borde råda framför musikaliska dansformer. Wagner beskrev sin opera Tristan und Isolde (1865) som ”plot i musik”, vilket borde påminna om de ursprungliga operatermerna ”favola in musica” eller ”dramma per musica”.

Den genomkomponerade formen föredrogs generellt i slutet av 1800-talet, även av Jules Massenet och Giacomo Puccini , och förblev den dominerande modellen från tidig modernism till neoklassicism , som experimenterade med bräckliga strukturer och med hänvisningar till former från tidig operahistoria. Fristående delar från grundligt komponerade operaer utförs också på konserter, såsom många arier från Puccini-operaer. Richard Strauss betraktas som mästaren i den välkomponerade storskaliga formen, som särskilt visade detta i enakterna Salome , Elektra och Ariadne auf Naxos .

Under 1900-talet återgick många kompositörer till nummerprincipen, till exempel Zoltán Kodály , Igor Stravinsky eller Kurt Weill . Nummeropera fortsätter också i operetter och musikaler .

Opera seria och Opera buffa

I operahistorien har det mest varit en "hög" och en "låg" stil, baserad på den forntida skillnaden mellan tragedi och komedi . Men det betyder inte alltid en linje mellan allvarligt och roligt. Den "höga" stilen kan stiga över den "lägre" helt enkelt genom antika material eller genom ädla figurer eller genom en "litterär" modell som ska tas på allvar eller genom "svår" (eller bara genomkomponerad ) musik. Alla dessa indikationer på vad som är mer värdefullt har attackerats genom historien. Det fanns genrer som försökte försvaga kontrasten, till exempel opera-semiseriet.

Så länge operan fortfarande var på experimentstadiet, som det var i början av 1600-talet, var separering inte nödvändig. Det uppstod först när operaföreställningar blev vanliga och av sociala skäl: den allvarliga operaen innehöll aristokratisk personal och ”hög” politisk symbolik, komiken innehöll borgerliga karaktärer och ”obetydliga” vardagliga handlingar. Gradvis separerade Opera Seria och Tragédie Lyrique från sina komiska mellanrum , från vilka Opera Buffa och Opéra-comique dök upp . Denna åtskillnad bröts först i slutet av 1700-talet: Eftersom medborgarna inte längre ville skildras komiskt (dvs. löjligt) i den "lägre" operagenren som var avsedd för dem, förvandlades serien ofta till den sentimentala och värderade. Därför är ”konstiga operaer” ofta inte roliga. Efter franska revolutionen , klassen var klausul upplöst och borgerliga operor fick vara ”allvarlig”. På 1800-talet uppstod således andra gränser mellan tragedi och komedi än på 1700-talet.

En samlingsbeteckning för både tragiska och komiska verk är den italienska dramma per musica , som operan kallades i sina tidiga dagar. Ett exempel på en tidig seriös opera är Il ritorno d'Ulisse in patria av Claudio Monteverdi . Det allvarliga påståendet är resultatet av att man använde antikt teatermaterial - särskilt tragedier - och episka hjältdikter. De har ersatts av nyare historiska ämnen sedan senare 1700-tal. På 1800-talet Italien användes termen dramma i kompositionen melodramma och inte längre relaterad till gammalt drama. Både Bellinis tragiska opera Norma och den komiska operan L'elisir d'amore av Gaetano Donizetti fick så namnet.

"Hög" stil

Operaserien etablerade sig inte som en fast tidsperiod förrän på 1700-talet. Blandade former eller tragikomiskt innehåll uteslöts med denna titel. Händels opera Radamisto är ett typiskt verk. Som en motpol till Italien gav Frankrike sin egen form av opera seria titeln Tragédie lyrique , till stor del påverkad av Jean-Baptiste Lully och baletten vid domstolen i Louis XIV , senare av Jean-Philippe Rameau . Efter den franska revolutionen etablerade sig grand opéra gradvis som en borgerlig, seriös opera. Dessa inkluderar Les Huguenots av Giacomo Meyerbeer , liksom mindre framgångsrika verk som Les Troyens av Hector Berlioz .

Det välkomponerade musikdramat från den mer mogna Richard Wagner ( Nibelungens ring ) hade ett stort internationellt inflytande. Franska kompositörer från den tiden som Massenet , å andra sidan, litade mer på en transparent och sång operastil, för vilken termen drame lyrique användes. Till och med Debussy använde denna term för sin opera Pelléas et Mélisande .

Operamaterial har alltid kommit från romaner , noveller eller scenverk . Den italienska operan från 1700-talet såg sig själv som musikklädd litteratur . Sedan dess har musik blivit den absoluta dominansen, dvs sedan slutet av 1800-talet, är känd som extremt litterär opera litterär opera . Döden i Venedig av Benjamin Britten baseradThomas Mann är en mycket trogen översättning av det litterära materialet till musik.

"Lägre" stil

Den opera buffa är den ursprungliga formen av glada opera. Pergolesis La serva padrona ansågs vara det ledande exemplet runt mitten av 1700-talet. Ett sent exempel är Il barbiere di Siviglia av Gioachino Rossini . De utomordentligt glada operorna betraktades ofta mindre än de sentimentala. Hennes tyger kommer från populär teater och posse , starkt påverkad av italienska Commedia dell'arte .

Den franska opéra-comique (typ av verk) framkom från den tidiga operabuffan , som före revolutionen blev opera för en alltmer självsäker borgarklass. Först förstod man att det här var mer ett sångspel ( vaudeville ). Men den musikaliska delen växte och började dominera. Det tyskspråkiga Singspiel framkom från Opéra-comique . Singspiel har ofta en populär, borgerlig karaktär, kännetecknas av enkla sång- eller rondoformer och använder talade dialoger istället för recitativ , och ibland melodramer mellan musiknumren.

Domstolen talade franska. Problemet med tysk opera på 1700-talet och i viss utsträckning fortfarande på 1800-talet var att den som folkopera tillhörde den "lägre" genren och var tvungen att hävda och frigöra sig själv. Bortförandet från Seraglio av Wolfgang Amadeus Mozart är en av de mest kända Singspiele med detta syfte. Mozart använder också mer komplexa musikformer för arierna. Verket, som fick i uppdrag av kejsare Joseph II att upprätta en nationell sångpjäs och hade premiär 1782 i Burgtheater i Wien , var av avgörande betydelse för utvecklingen av den tyska operaen.

Paris var ledande inom operahistoria på 1800-talet och italienare som Rossini och Verdi kom också hit. Den Opéra-Comique , som utfördes i huset av Opéra-Comique förblev sekundärt till den nyinrättade, väl sammansatt Grand opéra , som utfördes i Opéra - mindre i termer av dess musikaliska betydelse än dess sociala betydelse. Av de skäl som nämnts behövde det inte nödvändigtvis vara glad. Ett exempel på en komisk och maudlin opera komik, även känd i det tyskspråkiga området, är The Postillon av Lonjumeau av Adolphe Adam . En grupp verk som fortfarande formellt kan kallas Opéra-comique efter 1860 förstärkte den grundläggande sentimentala karaktären (som Mignon av Ambroise Thomas ). Ett sentimentalt element finns också i några av Rossinis komiska operaer ( La Cenerentola ).

En förnyelse av opéra-comique lyckades med Carmen av Georges Bizet , vars drama pekar i riktning mot verismopera . Med henne - förutom de proletära figurerna - var luriden ett kännetecken för den "lägre" stilen.

Stor opera - kammaropera

"Storleken" kan också vara ett tecken på hög eller låg stil. Ibland används termen ”grand opera” som undertext för ett verk. Detta innebär till exempel att orkestern och kören ska spela och sjunga i stor rollbesättning, eller att operan är ett fullängdsverk med integrerad balett. Det här är operaer som bara kan spelas i en större teater och som kan skilja sig från de resande truppernas repertoar. Ett exempel på en ”stor opera” är Manon av Jules Massenet .

Termen kammaropera å andra sidan hänvisar till ett verk som kan förverkligas med liten personal. Antalet sångare är vanligtvis inte mer än fem, orkestern är begränsad till en kammarorkester . Detta kan komma från svårigheterna med materiell fattigdom och därmed hänvisa till den "lägre" genren eller tvärtom betyda större exklusivitet och koncentration av en "högre" genre. Scenen är också ofta mindre, vilket kan bidra till en mer intim atmosfär, vilket är gynnsamt för verkets verkan. Exempel skulle vara Albert Herring av Benjamin Britten eller "Les Larmes de couteau" av Bohuslav Martinů .

Genre eller bara undertexter?

Vissa operakompositörer motstod också klassificering i genrtraditioner eller hänvisade medvetet till deras verk med vissa undertexter i förhållande till dem. Wagners Tristan och Isolde bär till exempel termen "agera i musik", Luciano Berio använde för sitt arbete Passaggio om termen "messa in scena" ("iscenesättning"). George Gershwin beskrev sitt arbete Porgy and Bess som "En amerikansk folkopera". För att distansera sig från klichéiska idéer föredrar moderna kompositörer ofta alternativa namn som "azione scenica" ( Al gran sole carico d'amore av Luigi Nono) eller "azione musicale" ("musikalisk handling", Un re in ascolto av Luciano Berio). Till och med Peter Tchaikovskys berömda opera Eugene Onegin kallades av kompositören "Lyric scenes".

Andra speciella former

2016 skrev Richard Geppert den tyska rockopera Freiheit med musikaliska uttrycksmedel och instrument för rockmusik .

Det finns några exempel på operaer - inklusive John Coriglianos verk The Ghosts of Versailles , som hade premiär 1991, som är självrefererande i termer av form , eftersom de själva innehåller drama eller opera.

Prestationsövning av opera

repertoar

På grund av att operagenren inte alltid är lätt att skilja från andra musikgenrer och genrer och utövandet av pasticcio , är ett uttalande om operarepertoarens övergripande omfattning många svårigheter. Aktuella listor antar cirka 5800 till 6000 kända verk. Om man tar med det inte obetydliga antalet förlorade och förlorade verk, särskilt från 1700- och början av 1800-talet, bör totalt cirka 60 000 operaer vara realistiska.

Katarina Karnéus som Serse vid Operan i Stockholm 2009

Det stora antalet verk gör det inte lätt för teatrar och operahus att göra ett urval som uppfyller hög standard och hittar en tillräcklig publik. Beroende på storleken på teatern och den befintliga budgeten är konstnärlig ledare och dramaturgi för varje avdelning av teatern (skådespel, musikteater, balett, barnteater, dockteater etc.), en schema som utarbetats anpassade huset och dess anställda. Programmet tar hänsyn till regionens särdrag och prestationstraditioner på platsen - till exempel genom utomhusfestivaler, jul- eller nyårskonserter - men indikerar också aktuella trender inom musikteater genom att också framföra samtida verk. Beroende på husets storlek arrangeras olika operaer på nytt under en säsong . Den första offentliga föreställningen av en ny opera kallas en premiär , den första offentliga föreställningen av en opera i en ny produktion kallas en premiär .

Så småningom har en beprövad, mer eller mindre smal kanon av operor dykt upp, som regelbundet står på programmet. Cirka 150 operaer utgör denna icke-fasta kanon i sin kärna. Följaktligen har särskilt avsnittets intresse flyttats från de redan välkända verken till deras tolkning , med iscenesättningen flyttat in i förgrunden. Publiken förknippar ofta sina favoritoperor med vissa traditioner, varav vissa är frusna i konventioner , och reagerar kontroversiellt på radikala tolkningsmetoder (regi- teater ).

Föreställningsspråk

Fram till mitten av 1960-talet framfördes operor mest på det nationella språket på platsen där de framfördes. Verdi-operaer i Tyskland sjöngs på tyska och Wagner-operaer i Italien på italienska, vilket visas av radio- och tv-inspelningar. Redan innan fanns det dock teatrar som framförde opera på respektive originalspråk, såsom Metropolitan Opera i New York. Den Salzburgfestivalen presenterade alltid operor endast på originalspråket. På grundval av ett kontrakt med La Scala i Milano , där italienska sångare åtog sig att sjunga vid Wiener Staatsopera , introducerade Herbert von Karajan principen att utföra operaer på originalspråket vid Wiens statsopera 1956. Med sitt resonemang att enhetens ord och musik förlorades när man översatte till ett annat språk framfördes operationer gradvis i sin ursprungliga form. Skiv- och sångmarknaden, som blev alltmer internationell, bidrog också avgörande till denna utveckling. Å andra sidan fanns det fortfarande en stor tradition av översättningar i DDR, men nya översättningar (t.ex. Walter Felsenstein , Siegfried Schoenbohm ) försökte översätta innehållet i originalet mer exakt, språkligt mer framgångsrikt och framför allt musikaliskt mer lämplig. I dag, i nästan alla större operahus, spelas operaer på originalspråket med samtidig textning .

På många mindre teatrar, särskilt i östra Tyskland, finns det fortfarande föreställningar på tyska. Det finns också flera operahus i vissa städer (t.ex. Berlin, München, Wien), varav en utför operaer i översättningar, såsom Volksoper Wien , Komische Oper Berlin , Staatstheater am Gärtnerplatz i München, eller i London English National Opera . Då och då finns det också en auktoriserad översättning (som i fallet med Leoš Janáčeks operaer , vars tyska text kommer från Janáčeks vän Max Brod , så att den tyska texten också kan betraktas som original). Föreställningen på originalspråket är alltid svår när det finns dialoger i verket. Det finns också blandade former här, det vill säga talade texter översätts, men sjungna ljud finns på originalspråket. Översatt musikteaterföreställning är därför utbredd inom sångspel , operett och musikaler . Dramaturgin på teatern är ansvarig för den exakta översättningen från ett främmande språk. Om man vill fördjupa språkkunskaperna kallas också specialbussar för ett främmande språk in.

Se även

litteratur

Böcker

Handelsdagböcker

webb-länkar

Wiktionary: Opera  - förklaringar av betydelser, ordets ursprung, synonymer, översättningar
Commons : Opera  - samling av bilder, videor och ljudfiler
Wikikälla: Opera  - Källor och fullständiga texter
Wikiquote: Opera  - Citat

Individuella bevis

  1. Wilibald Gurlitt , Hans Heinrich Eggebrecht (red.): Riemann Music Lexicon (ämnesdel) . B. Schott's Sons, Mainz 1967, s. 654 .
  2. ^ Arnold Jacobshagen : "Musiktheater" (PDF) Tyska informationscentret för musik .
  3. Sammanfattning se: Wolfgang Osthoff: Monteverdi: L'incoronazione di Poppea . I: Carl Dahlhaus (red.): Piper's Encyclopedia of Music Theatre . Volym 4. München 1991, s. 253-259.
  4. ^ Johannes Jansen: Crash Course opera . S. 127, "Avresa in i modern tid".
  5. Statistik 2017/18. Operabas ; nås den 14 juni 2018.
  6. Roswitha Frey: "Verkligheten har fått oss" . Badische Zeitung , 18 mars 2016.
  7. Versailles spöken. Hämtad 7 juli 2019 .
  8. Kurt Pahlen : Den nya operaleksikonet. Seehamer, Weyarn 2000, ISBN 3-934058-58-2 , s.9 .